E2a

Hur man skriver en film: del tre

Vad går fel med ditt manusförfattande och hur man rättar till det

Nu när du har fått din samman i manusskrivande del 1 , och läs om brainstorming i del 2, här är del 3 i Screenwriting Course. Som du kanske har gissat vid det här laget, jag antar att du läser, eller har läst andra "Hur man skriver manus" böcker. Så jag inte stava ut varje enskild detalj i processen, men sedan heller jag antar att du vet något. Huvudsak vad jag vill göra är att sätta teorin i perspektiv för dig. Jag vill inte att det ska hindra dig. Så många människor avfärda teorin eftersom de anser att det avbryter sin kreativa flöde, men samtidigt deras kreativa flödet aldrig producerar något som kan hitta en marknad. Men om de används felaktigt, kommer teorin börjar du skriva med självförtroende och som krävs passion. Om du är för standardiserad, kommer ingen att vara intresserad. Om du inte gör några eftergifter till vad som utgör destillation av vad många sinnen, stora och små, har anade att utöva konsten eller konsumerar det, då är du avfärda många tekniker som kommer att dela amatör från proffs.

Så för att upprepa vad jag har sagt redan, är kreativ manusförfattande en rörig process, men du måste kunna hitta den struktur inom denna process. Betraktaren är inte intresserad av processen och inte vill se något av det. Vad de vill är slutprodukten. Du är inte säljer processen, du säljer resultatet!

Efter att sålunda ha fått din akt tillsammans, bestämt vad du vill göra, och börjat den kreativa processen att definiera ett koncept och bygga en berättelse och utveckla karaktärerna, kommer det att komma en punkt när du har en behandling - en presens berättelse om berättelsen om filmen. Det kommer att förklara vad vi ser och antyda vad vi hör, men inget annat. Detta är inte en prosa arbete. Vi vill inte inre monolog, inga fancy beskrivande dagdröm, ingen poesi, inga lukter, inga känslor, bara vanlig berätta en historia som kan skjutas som en film.

Det är där du kan göra eller bryta din filmprojekt. I själva verket många filmprojekt börjar som något annat än en behandling och kan sedan gå igenom flera manusförfattarna innan den slutliga fotograferingen skriptet framträder. De manusförfattare anses tio ett öre, och få blandas runt beroende på vad stjärnor får fästa vid ett eller annat tillfälle, eller vad direktörer kommer och går med projektet. Men den goda koncept, bra historia, är kung och om du har något annat, kan du skaffa dig ett avtal med en producent på grundval av detta ensam.

Jag har läst en hel del arbete pågår från alla möjliga författare, från begåvade till djupt tråkig, men alla på en gång eller annan lider av en eller flera av cirka sju gemensamma problemområden. Jag säger ungefär syv eftersom detta inte är en exakt vetenskap och det kan finnas fler problemområden som jag bara inte känner ännu. Några av dessa problem är lättare att fixa än andra, och mina lösningar inte nödvändigtvis den bästa eller ens lösningar i vissa fall. När det kommer till kritan, måste du hitta din egen.

Under tiden dock, det är mina tankar i frågan och du kan ta dem som utgångspunkt. Här är de sju grundläggande problem manusförfattande:

  1. Skrivkramp. Ytterst är detta ett time management problem. Efter att ha kommit fram till en grundläggande idé, en del människor antingen inte har hittat tid eller lust att gå vidare till nästa steg. Det är som om den entusiasm för projektet plötsligt gick bort när den enorma uppgiften framför satt i. Allt jag kan säga till dessa människor är, bara flytta ett steg i taget! Om du stirrar på att papper eller datorskärm och allt du känner är drivkraften att gå och göra dig en kopp kaffe, så åtminstone skriva några meningar innan vi går vidare. Bara brainstorma! Klottra anteckningar till dig själv om och när de kommer till dig. I detta skede finns det inget rätt eller fel, ingen press att vara lysande, inget behov av att putsa varje tanke till perfektion - bara kasta ner på pappret.

    Om även detta är problematiskt och du upptäcker att sitta ner för att börja skriva direkt gör du inser att du har något annat att göra, så du kan behöva luta sig tillbaka och göra lite självanalys. Om du läser någon av dessa böcker om självhjälp om hur man sluta röka eller ändra andra dåliga vanor i ditt liv, rekommenderar de tar en anteckningsbok och beskriva de tankar du har, de åtgärder du gör, och den miljö som du befinner dig i, när beteendet du vill ändra äger rum. Om du har problem med att slå sig ner för att starta skrivprocessen, skriv ner vad som störande och varför du ger denna prioritering.

    Nu, om du är en rökare, vet du att det första du gör när du bosätta sig skriva är tända en cigarett! Det kan ta mycket mer än att bara bära en anteckningsbok för att ändra den vanan, men logiken bakom det är vettigt. Ta del av vad som gör dig uppträda på ett visst sätt. Om du är medveten om vana, så kanske du kan lära dig att utöva viss viljestyrka. Och om du gör följa proceduren till dess rekommenderade slutsats kommer du att upptäcka triggers som utlöser beteendet och skulle kunna ersätta mer konstruktiva reaktioner på dessa stunder.

    De av oss som inte har dessa problem, ofta tror att lösningen är så uppenbart att någon idiot kan ta itu med dem. Men ser dem som har problem inte världen på samma sätt. Det finns alltid en ursäkt. Hur kan jag röka inte när jag måste blanda med rökare att göra affärer? Jag sätter på så mycket vikt när jag inte röker att jag är säker på att det måste vara lika illa för mig! Hur kan jag lägga inte mitt jobb först, min fru, barn eller kasta ut de soppåsar och kontrollera posten, innan jag kommer ner till att skriva något? Jag har order att följa, jag har uppgifter att slutföra, jag har ett liv!

    Alla gör det i viss mån, men det blir ett problem när den stannar du gör något som du vill göra. Om du vill skriva manuset, då måste man omarbeta prioriteringar. Och det här enkla biten för författare, när du får den anteckningsblock för att krafsa ner vad som distraherar dig och varför du tror att det är viktigare än att skriva projektet, är du i själva verket skriftligen och skulle lika gärna kunna klottra ner tankar om din filmmanus apposed att arbeta ut dina ursäkter. Om, naturligtvis, har du äkta ursäkter då måste man titta på beteende som är av samma prioritet och hitta ett sätt att ge upp till förmån för skrivandet.

    Med manusskrivande, varför inte ge dig själv tre av fyra månader då det har hög prioritet. Efter det kan du tilldela prioriteringar för andra saker tills en annan manusförfattande idé uppstår till dig. Min rekommendation är, speciellt när man arbetar ute de första idéerna till manuset, kommer en halvtimme om dagen ger resultat som kommer att vara användbar för dig. Det är allt som behövs.

    Senare i processen, när behandlingen utvecklas och manuset, så måste du tilldela längre perioder, men då, man hoppas kommer ren upphetsning med din egen kreativa geni bära dig över att start-up-problem. Du kommer nu att ivriga att avsluta det i stället överge det halvvägs.

  2. Mission drift. Detta är ett problem av olika mentala stilar försöker klara den övergripande efterfrågan på en enda kontrollerande idé i hjärtat av ett filmmanus. Och det är ett mycket svårare problem att lösa än bara skrivkramp. Skrivkramp är till stor del att göra med motivation, om du vill övervinna det, du gör och om du inte vill att övervinna den, då betyder det att du vill göra något annat. När du har bestämt att du inte vill göra något annat, då du kommer att skriva. Men Mission Drift är ett komplicerat fenomen. Det påverkar alla författare och i många avseenden, alla uppgifter som du utför i ditt liv. Du börjar göra en sak, och glömma syftet och driver på att göra något annat, glömma syftet med det, och driver vidare till något annat, aldrig riktigt komma till rätta med någonting.

    Till exempel, börjar du skriva en berättelse som är en actionthriller, men du har valt att köra thriller med ett mysterium. Plötsligt actionhjälte måste börja ställa frågor och arbeta ut pussel. Han kan fortfarande måste kämpa för svaren, och han kan fortfarande ge jaga, men han är inte riktigt en actionhjälte. När började Arnold Schwarzenegger börja lösa mysterier? Han gör det inte. När började James Bond löser aldrig ett mysterium? Han gjorde aldrig. Den actionhjälte vet vem som gjorde det, vet vad de gjorde, och hans jobb är att gå in i den av odjuret, ha sex och blås upp allt!

    Men naturligtvis författaren inte vill skriva de vanliga klichéerna i genren, men vill ta genren till en annan nivå. Författaren kanske upptäcker att en liten gåta ger mer intelligent karakterisering och intressant dialog.

    Om man tittar på någon berättelse du kommer att tycka att klassificeringen inom genrerna är ofta godtycklig. "True Lies" var action / komedi. Det var en parodi på James Bond. Det frågade, vad händer om James Bond var en lyckligt gift man med barn och bodde i förorterna? Det tog sitcom-land och sköt den i handling / thriller-land och lyckades få det att fungera. Det gjorde det att fungera genom att vara medveten om de områden man arbetar i, göra en åtskillnad mellan de två världarna och göra historien om att flytta mellan dessa världar. Den styrande idén var denna sammansättning av de genrer. Kort sagt, tog sin mission på sig att göra detta trovärdigt.

    Jag hade turen att träffa John Briley strax efter att han vann en Oscar för sin manus av "Gandhi". Han berättade olika skräckhistorier av hans rutiga manusskrivande karriär och hur han var tvungen att byta namn en gång efter att ha skrivit en sådan dyster skript för ett projekt som han nästan blåste hela sin karriär. Så du kan alla ta hjärta från vändningar även de mest framgångsrika karriärer i branschen. Vad gjorde det möjligt för honom att skriva "Gandhi" var att han stack en post-it lapp på hans vägg berättar för honom att använda liv Gandhi att illustrera hur Civil olydnad fungerar som en politisk strategi. Han sade Gandhi var en fascinerande man med massor av motstridiga sidor till sin karaktär. Hans sexualitet var konstigt, och nästan för bra för att missa en manusförfattare och han kämpade strider av många olika slag till ett för indisk självständighet, som alla skulle vara sant att mannens liv, allt väl dokumenterat, och alla mycket bra foder för skärmen. Han ville inte göra mannen ett helgon, han ville lämna det för andra att träna, och han ville inte göra en yxa jobb på honom heller. Och så, hur han kjolar alla politiska påtryckningar för att göra en sorts film eller en annan, och alla frestelser att följa upp exotiska galna stunder och vilda scenarier åtgärder, var att hålla sig till en princip och fråga hur denna scen illustrerade en aspekt för civil olydnad som politisk strategi?

    Det var inte en mycket dramatiskt spännande premiss. Det var mycket esoterisk på många sätt och förmodligen inte skulle passera uppbåda för en Hollywood studio-baserade film, men det vann han en Oscar för han gjorde något som cohered var odiskutabelt sant till historieböckerna, och ändå lyckats ge goda möjligheter för Bravura föreställningar och skådespel. Underhållning var inte hans syfte, men upplysning. Historien var alltför viktigt för att försvagas genom försök till sensationalism, eller genom fallande till enbart propaganda.

    Han gjorde en film som kanske ställde frågor mer än svarade dem, men det provocerade en debatt. Medierna i vänster och höger plockade upp frågan om civil olydnad skulle ha fungerat med Hitler, eller om det bara kunde arbeta med ett demokratiskt land som Storbritannien. Det var en stor film med stora frågor, och ändå om man ser på de scener, bortsett från några "avgjutning av tusen" stunder, det till stor del består av många intima, små tecken driven scener.

    Man kan alltså ha en stor fråga driven berättelse utan att försöka omfatta allt. I själva verket, genom att utesluta buller runt meddelandet blev budskapet större och provocerade bredare debatt. Klara målsättningar skapar känslan av en stor film långt mer än att ha något för alla.

    John Briley hjälptes av den historiska verkligheten i berättelsen, men det samma gäller för rena uppfann fiktioner. "2001: A Space Odyssey" är inte en mycket spännande film i termer av historia och karaktär. Men det har varit en kontroversiell klassiker. Detta är på grund av dess provokativa vision av människans plats i universum och inte dess underhållning värden. Dess långsamma, dess minimalistiska karakterisering, dess brist på förklaring gör det svårt film att sitta igenom utan en styv drink och filmiska surroundljud, och ändå fick så mycket rätt. Det var en film med en kontrollerande idé: födelse medvetande och utveckling. Allt om filmen visade dessa begrepp, även till spermier-formade rymdskepp på väg att befrukta några kosmiska ägget. Ytterst, vad det säger om dessa frågor var inte klart, för det inte debattera punkten, bara skapat en filmisk dikt för att hedra universella krafter skapelsen. Det var poesi snarare än debatt, eller ens drama, och ändå sade allt, men förklarade ingenting.

    Mission Drift undergräver kraften i ert uttalande. Det är mycket bättre att ha en enkel, nästan banal idé, i hjärtat av din berättelse än det är att ha en miljon underbara, stora stora meningsfulla idéer och svar på alla frågor i världen. Om du har en massa idéer, spara lite till nästa manus, och vara medveten om att en bra film har mer att göra med klarhet i tanken än något annat. Bra film stunder, stora tecken, stora linjer dialog, stora stora fantastiska suspenseful sekvenser, alla belopp ingenting om de inte Cohere och verkar vara från samma historia. Om du kan hantera höga underhållning värden, stor dramatik och en fast kontrollerande idé, så har du förmodligen kommer att hamna en mycket rik man, men om du måste göra ett val mellan att döda dina bästa bitarna och hålla sig till en enda idé, då du måste bli av med främmande material. Annars kommer du att sända ut signaler som du, och ingen annan kommer att förstå.

  3. Story densitet. Detta är en fråga om att bedöma komplexiteten i en idéer och hur de kan spela ut inom de tidsbegränsningar för filmmanus.

    Detta är en annan komplicerad fråga och en som bara kan lösas efter att du har haft en hel del erfarenhet av att skriva manus. Genom Story Densitet menar jag antalet ord i en behandling jämfört med antalet och längden på de scener som visas i ett manus baserat på denna behandling.

    Story Density problem är oftast av följande art:

    • ÖVERSKRIVANDE: Du beskriver saker, förklara händelser och element backstory som inte kommer att vara i manuset. Det kommer att bli uppenbart, när du skriver manuset, att enbart namnet på teckenuppsättningen i den ort kan överföra en del av den information som du kände att du var tvungen att förklara i prosa av behandlingen.
    • EMISSIONER: I actionfilmer i synnerhet, kan du skissa på en åtgärd scen med ett par meningar i en behandling, men manuset kommer att kräva en lång sekvens av scener för att få det ögonblicket till dramatiska liv.
    • Försummelse av MITTEN: När du får förstå historien, kommer du att finna att det är bättre att gå in i berättelsen senare i skriptet än du gjorde i behandlingen och att de centrala delarna av berättelsen är underutvecklade jämfört med öppning och slutet. Synopsis har betonat dessa saker, men manuset kräver oftast mitten.

    Hur man skriver en film: del tre. Begreppet strukturen.
    Hur man skriver en film: del tre. Begreppet strukturen.

    Vad detta skapar är förvirring om var en agera starter och en annan börjar. Den dramatiska ögonblick som vid behandling, kommer en tredjedel av vägen, plötsligt blir öppningen scenen. Och eftersom tecknen inte har ännu passerat alla nödvändiga steg i tillväxten börjar den stora finalen plötsligt känna sig mer som en avslutning på den andra akten snarare än den tredje. Behandlingen kan berätta att tecknen har vuxit, men på något sätt inte har översatts till scener och den känslomässiga resan slutade som bara några rader av dialog. Har dock publiken att uppleva känslomässiga utvecklingen av karaktärerna, och förväntar sig att äga rum i olika igenkännbara steg på vägen.

    Så när du skriver behandlingen, vara mycket noga med att träna i vilket skede av berättelsen en scen inträffar. Gör du en första akten situation eller en andra eller tredje akten situation?

    • Första handlingar är fulla av introduktion och frågor medvetenhet incidenter. Spänning håller på att inrättas och nycklarna till reda ut hela historien i slutet håller liggande runt i bakgrunden. Detta är hemmaplan, det är den känslomässiga norm från vilken tecknen kommer undan och hitta sin väg till en ny nivå av existens. Återgå till detta i andra akten och något känns väldigt fel. Berättelsen har dött. Återgå till den i sista akten utan slutsatser på frågorna och historien känns obegränsad i bästa fall meningslöst i värsta fall.
    • Den andra akten scener har att göra med att flytta tecknen igenom perioder av osäkerhet, förvirring och felaktiga svängar. Det finns villospår här, sub-tomter med egna dynamik som finns där för att fälla och resa upp hjälte. Slutet av den andra akten är ofta helt tas över av en massiv fel håll som nästan förstör hjälten. Har allt detta händer i första akten och folk kommer att undra vad de missat! Har det som händer i den sista akten och folk kommer att titta på sina klockor och undrar när på jorden denna sak kommer att avsluta, och när den gör det, kommer de inte att gilla det.
    • Den sista akten börjar sedan med karaktärerna retracing sina steg, flytta sig, medan klockan fästingar och skurken ser segrande. Sedan efter stora strider, det finns uppenbarelser och överraskningar och till sist de älskande är tillsammans där skurkarna är besegrade. Om du startar en film som det kommer ditt förnuft på ett allvarligt tvivel. Men det är förvånande hur ofta någon form av radikala uppenbarelser som ska finnas i slutet dyker upp i den andra eller första akten av de tidiga utkasten ett manus.

    Publiken läser filmen med en känslomässig karta. Det förväntar sig att gå från klarhet till förvirring konfrontation och slutsats. Man kan lägga till fler beats till den modellen: säkerhet, upplösning, förvirring, misslyckande, förtvivlan, konfrontation, rehabilitering, upplösning, upplysning och sedan konfrontation och slutsats. Och så vidare. Du kan tänka på dina egna emotionella kartor för berättelserna. Ju mer komplexa historien, desto mer komplicerad den emotionella kartan.

    Och kom ihåg att du måste ha kontrasterande stunder i en känslomässig karta. Det är sällan tillfredsställande att ha en historia som rör sig från säkerhet till konfrontation till slutsatsen, eftersom säkerhet är inneboende i den kartan hela vägen igenom. Det finns ingen resa dit. En resa är inte ett äventyr om hjälten försvinner. Det måste reverserar. Så efter säkerhet måste det finnas osäkerhet någonstans. Efter förvirring måste det finnas upplysning. Efter framgång måste det finnas fel, och då kanske lyckas igen. Den berättelse som rör sig direkt från säkerhet till konfrontation och slutsats är bara en början och ett slut utan mitten.

    Behandlingen kan tyckas som om det har en enorm mitten när i själva verket du bara flytta din berättelse genom med säkerhet rakt in i konfrontation och slutsats. Du trampar vatten, känslomässigt och när du kommer att skriva manus, kommer du att finna att de flesta av behandlingen smälter bort i komplexitet scenen struktur. Du kommer att inse att titta kan säga mycket, att ett ögonblick av tystnad och isolering för en karaktär som faktiskt kan vara mycket mer dramatisk än de stora biljakt sekvens med alla pratfalls och spektakulära stunts som du ursprungligen trott och fyllt upp behandlingen med . Och när du har sagt att här har du säkerhet, trots massor av andra fantasifulla scener, om de inte tar oss bortom visshet i mer komplicerade situationer, då du kommer att upptäcka att allt du behöver är en sekvens.

    Att övervinna detta problem är inte olikt att övervinna problemet Mission Drift. Träna den känslomässiga karta, de kontrollerande idéer varje slag av filmen, vilket naturligtvis kommer att hänvisa till att en stor kontrollerande idé. Christopher Vogels omarbetning av Joseph Campbells hjältes resa, med hjälp av "Trollkarlen från Oz" som sin grundmodell, är kanske värt att läsa eftersom det ger en berättelse Karta beskriver alla slag som en berättelse behöver för att det skall anses tillfredsställande med en publik. Jag skulle inte vilja hävda en sådan karta är en universell krav för alla historier. Men även om jag tycker det är en speciell typ av berättelse, det är en användbar karta att följa. Regeln om en berättelse är att den måste gå från ett tillstånd till nästa utan publiken att känna att det var någon oförklarlig känslomässig förändring. Och det måste finnas tillräckligt av dessa steg för att få folk att känna att de har sett tillräckligt olika aspekter av den kontrollerande idé att få dem att känna att de har lärt sig något, eller åtminstone, har lagt till någon form av känslomässig berg-och dalbana.

    Vad går fel med ditt manusförfattande och hur man rättar till det. Ställa in och betala av.
    Vad går fel med ditt manusförfattande och hur man rättar till det. Ställa in och betala av.

    Det är dock inte så enkelt som att sticka en post-it lapp på din vägg och alltid utmanande varje scen med frågan om vad detta har att göra med huvudtanken. Resan, som du skriver det, är lika mycket ditt som en författare, eftersom det är karaktärernas resa. När du skriver en behandling, skriver du inte slutprodukten, du fortfarande utforska dina idéer, men du måste lära dig att utforska dina idéer och sedan, när prospektering har skett, rapportera vad du har upptäckt snarare än sätta på papper hur du upptäckte det. Detta gör det svårt att veta var berättelsen beats är. Fler ord innebär mer historia, när de i själva verket inte.

    Kanske ett test av berättelse densitet är att alltid, efter att ha skrivit en behandling, återvända till att skapa en sida beskrivning av hela historien. Det kommer göra dig uppmärksam på var den verkliga nyckeln stunder är och var de verkliga handling raster komma. Och om det inte gör susen, sedan försöka skriva den första akten i berättelsen, för då kommer du att se hur mycket av behandlingen används upp av vad som borde vara 25% av historien. Det bör inte vara fusk, ingen utfyllnad ut med dialog, inga långa beskrivningar av uppsättningar, inga extra breda marginaler i skriptet. Du ska bara ha det som är nödvändigt för att berätta historien.

    Ytterst är det enda verkliga testet för att skriva hela manus, men vi försöker lära sig att skriva effektivt och många av dessa problem kan strykas i de inledande skisserna. Så var försiktig och kom ihåg att vara medveten om överskrivning, emissionsgarantier och försummar mitten. Testa lagen struktur och bygga upp en bra känsla för den känslomässiga kartan över berättelsen.

  4. Begreppet strukturen. Medan alla förstår tre akter struktur på en grundläggande nivå, författare ofta inte förstå dess fulla konsekvenserna och den strukturen genomsyrar hela byggnaden av manuset. Struktur i filmmanus ofta beskrivs i ett mekaniskt och dauntingly restriktiv sätt. Du får höra att du måste ha en krok på sidan tio, en anstiftan händelse av sidan 30, en vändpunkt på sidan 28, en sub-plot introduktion på sidan elva, och bygga en klimax på sidan 20 ... och det är bara första akten! Hur kan du, en kreativ konstnär vars sinne bubblar över med originella idéer, möjligen tämja denna best och tvinga det till denna bur utan att förlora just det som får dig att vilja skriva? Tja, du behöver bara göra det. Det är allt som finns till den. Du måste lära dig att strukturera dina berättelser utan att förlora sin kreativitet. Du kan inte fudge den endast genom märkning din handling raster. Det måste byggas in i hur du berättar din historia. Vissa berättelser kräver mer struktur än andra, dock, och förstå vilken typ av berättelse som du skriver är kanske den viktigaste skicklighet, men strukturen måste det finnas. Du kan kontrollera detta genom att konstruera varje segment av din berättelse som en enad avsnitt med en bestämd slutpunkt innan du går vidare till nästa avsnitt.

    Detta kan tyckas artificiell dig och du kanske skulle vilja utveckla den enda rad som slingrar sig från ögonblick till ögonblick slingrande här och där tills du når slutet, men människor som diskreta kapitel i en berättelse. Den goda nyheten med detta är att det kan göra ditt liv enklare. Det är lättare att hålla ett kort avsnitt i ditt sinne i alla dess nyanser än hela historien. Det är därför behandlingar är så viktiga. Där skriver du hela historien, och samtidigt skriva detta dokument kan du låta sinnet flöda ögonblick till ögonblick, eftersom det inte behöver djupet av den färdiga produkten. Du kan tänka i termer av en början mitt och ett slut, utan att komma in i mikro-strukturen av verket. Att döma berättelse densitet kan vara svårt, men om du tränar kommer du att börja förstå hur behandlingen avser slutprodukten.

    Det kan vara fördelaktigt att skriva en mycket skissartad historia kontur som innehåller dialog, beskrivningar åtgärder och även haverier scen, men detta dokument är för privat bruk och inte kommunicera med andra. Det är där ditt sinne är tillåtet att slumpmässigt associera. Vissa människor kan göra detta är en icke-linjärt sätt anteckna anteckningar till sig i brainstorming, där andra behöver känna att de följer tråden i berättelsen där det kan leda. Men i slutändan, har allt detta sättas åt sidan, och nästa lager av organisation tillämpas. Och det innebär att bryta upp berättelsen i diskreta enheter med deras individuella historia fungerar klart räknas in innehållet.

    Vid denna punkt är det lättare att arbeta en handling i taget än om hela manuset på en gång. Du koncentrerar sedan på de diskreta enheterna inom lagen. Så på den första nivån finns det tre akter struktur. Nästa nivå är nere strukturen av lagen. Ungefär består en första handling av en krok, som en sub-Plot upp en huvudsakliga täppan Anstiftan Incident, Climax, slutsats. Det finns många sätt att uttrycka detta, beroende på vilken typ av historia du berättar, men i huvudsak alla faller in med denna typ av struktur. Du kan göra det så komplicerat eller så enkelt som du vill. En "Indiana Jones" typ berättelse rullar fram i korta 10-20 hängande minut klippa sekvenser, medan Jack Nicholsons "As Good As It Gets" hade en komplex tre handling struktur för om den invecklade karaktär utveckling. Det är upp till dig, men arbetar i sektioner och tänka i termer av sektioner, snarare än att försöka hitta dem efter att du har skrivit pjäsen.

    Det enklaste sättet att hantera en första akten är tio Page segment, vart och ett med en början, mitten och slutet. Detta kan tyckas alltför krystat, för ryckiga, eller det kan göra underverk för dig. Jag tror personligen i termer av börjar med en dramatisk öppning, sedan massor av korta scener, bygga till en huvudsaklig tomt SÄTTSTYCKE, en mindre tomt fragment, ett avsnitt där två något sätt samverkar, och sedan den stora twist i berättelsen, och en övergångsperiod scen till öppnandet av den andra akten. Detta är lite mer flytande och närmare enda rad, och jag känner att det har en improvisatoriska känsla som fungerar med vissa typer av skrivande. Det fungerar inte med GENRE bitar dock. Dessa är mycket mer strukturerat. Men för mina egna syften, känns det rätt.

    Det finns inga regler egentligen, men du bör absolut få oss att känna att det finns en bestämd form för vad du skriver. Detta bygger förtroende för att författaren har kontroll över materialet. Denna känsla av struktur måste nå ner till minsta detalj. Och så, med alla medel, improvisera för att få flödet av pjäsen, men sedan dra ihop och bygga berättelsen sten för sten.

    När du skriver för scenen, har en scen vissa viktiga punkter: början och slutet och in-och utgångar. Vad händer vid varje av dessa stunder bör vara viktig information. Vad händer mellan dessa stunder är förebådade och inrättandet av faktorer som skall utvecklas och betalas ut senare. I processen iscensätta dialogen omfattar alla dessa element, berättelsen rör sig i slag (dvs. enkla diskreta inslag av information, antingen känslomässiga eller fysiska). Varje slag kan vara en enda rad, ord eller en serie av ord och handlingar, eller bara åtgärder. Mellan varje slag är ibland en paus, en bit samverkande företag, eller ens en övergångsperiod replik inför nästa riff. De slår bygger till nästa ingång, avfart eller scen slut. Ofta slår kommer följande: Öppning, Entré, Avsluta, Stäng. Det kan finnas många slag i en scen, många in-och utgångar. Ibland dock kan pulsen av scenen mätas med hjälp av olika bitar av scenen företag. I filmer, lyckligtvis har du en mycket mer varierad sätt att gå igenom beats och scener och så kan vara lite mer vätska i ditt arbetssätt, men tänk på att du fortfarande bara räknar slag. Så allt måste tala om för publiken något, och varje slag ska känna precis som att ett beat.

    De som skriver för teatern har tur i att de kan lära sig detta instinktivt genom att få ett gäng skådespelare tillsammans och ge sina manus praktiskt provkörning. Det blir mycket tydligt att, för aktörer att kommunicera med en publik, måste varje ögonblick vara stark och berätta. Manusförfattare kan också ha sina manus läst och kan vinna mycket på att lyssna hur aktörer närmar sig manus, men det brutna natur manus, den enorma kraften i klipprummet och närbilder, musik och oavsiktliga element som på något sätt göra en film desto mer levande, kan dölja god praxis manusförfattande. Det finns en väldig massa som kommer in en film på grund av regissören och produktionsprocessen, och därmed den breda svep och grundtanken kan ofta ses som den viktigaste delen av manusförfattaren jobb, när efter den grundläggande idén har varit klart formulerade, är det näst viktigaste strukturen av berättelsen. Med alla element på något sätt det på papper är inte tillräckligt, de måste komma snyggt presenterade i en välkonstruerad församling.

  5. Motivera tecken. Du måste trycka på en karaktärs-knapp innan de kommer att reagera. Skenbart är enkel. Du visar oss som folket är i din berättelse, och sedan testa detta påstående genom att trycka på knapparna som skapar reaktioner bekräftar vilka dessa människor är, eller inte. Detta kommer att berätta för publiken om de låtsas vara något annat, eller är uppriktig.

    Vid sin mest grundläggande nivån, beror drama på två saker: varna publiken att vilken stat dina karaktärer tror var och en av dem finns i antingen låtsas eller uppriktighet, och varje reaktion måste vara lika med den händelse som utlöste det, varken mer eller mindre , om du inte vill ta upp en fråga om karaktärens uppriktighet.

    Om din karaktärs handlingar inte ringer sant för en publik och är varken låtsas eller uppriktig, så har du misslyckats med att berätta något om dina karaktärer. De är bara slumpmässiga samlingar av ljud och bild. Allt de säger och gör ska verka för att vara en del av de logiska eller ologiska, fungerar dessa tecken sinnen.

    Det största problemet med tecken motivation är dock att människor kan göra saker bara för att de lust att göra dem! Man kan gå in i psykologi karaktär och upptäcka några djupt rotad infantil svar som dikterar en livslång beroende av en viss typ av beteende, men i 90 minuter till två timmar av en film, det finns lite tid att gräva i det . Ofta den onde är dåligt bara för att han är dålig! Trots detta är orsak och verkan fortfarande krävs. Den onde skjuter polisen eftersom polisen kom i hans väg när han försöker göra en olaglig handling. Han inte slumpmässigt skjuta en polis eftersom, ja, det känns han som det den dagen - om inte naturligtvis, du skriver en berättelse om en kille som slumpmässigt skjuter poliser! Seriemördaren Berättelsen har den sortens motivation eller till synes, för även då finns det oftast en uppenbarelse om att seriemördaren hade en orolig barndom, ett hår läpp som gjorde honom ointressant för kvinnor, eller en estetisk lust att befria världen från Multefiskar och killar i utsvängda byxor.

    Movie motivation är mer symboliskt för nyanser i livet än ett försök att återskapa dem. Det är sällan mycket djup, det är bara enkel att förstå. Den oroliga polis kontrollera fotografi av sin döda fru i hans plånbok är en kort handen att förklara varför polisen besväras och därför sannolikt inte att följa regelboken. Det är en kliché nu, så rekommenderas inte, men om du måste undra hur det ensamvarg COP någonsin hamnat i en position av auktoritet i första hand, du har att erbjuda upp några tillfredsställande ofta symbolisk förklaring.

    Om du vill att vi ska tro på det väsentliga godhet ett tecken på att begå ett brott, så måste du ge dem ett starkt skäl för att begå brott. Att bara vara ont om kontanter är inte tillräckligt. De måste vara desperat för pengarna för att ge specialiserad behandling som kan rädda deras döende barn. Det största problemet med den slutliga Rocky filmen "Rocky Balboa" var inte därför Rocky ville komma ut i pension för ett sista smak av härligheten i ringen, utan varför Mason Dixon, en kämpe som redan anklagats för att välja enkla motståndare, skulle tror bekämpa en hjärnskadade har-kommit honom några kudos! Men sedan går ingen till en Rocky film att ställa för många frågor.

    Den största svårigheten med motivation är att Hollywood har sin stenografi och britterna har sina och Indiska och kinesiska har sina. I Storbritannien är allt du behöver säga att ett tecken är en nordbo att veta att de kommer att vara krigare, benägna att en torr sinne för humor, upp för något och letar efter en chans att fly. Omedelbart kulturella stereotyper ger författaren subtiliteter att spela med och mot. Du behöver inte en bild i en plånbok så att du vet att om det tecknet är i London, är han en ensamvarg på ett uppdrag.

    Mixa och matcha olika stilar, olika genrer, från olika kulturer kan både fräscha upp gamla historier, men de kan också vända saker till en enda röra av okända. Så, vet du miljö och ta publiken inte. Fråga varför någon gör något och se till att publiken vet svaret antingen implicit att de är kulturellt i samklang eller explicit från skriptet.

  6. Ställa in och betala av. Allt som du sätter i ett manus måste användas på en nivå eller en annan, så vara medveten om vad du sätter upp i publikens sinne och se till att du betalar den på något dramatiskt intressant sätt.

    Detta är inte något samband med karaktär, men är mer att göra med arbetet i handlingen. Om du höjer en fråga som du måste besvara den omedelbart, men inte nödvändigtvis korrekt, bara rimligen. Om det är av stor betydelse för tomten senare, är att när du kan svara korrekt. Tricket är att lämna publiken veta att du inte har svarat på frågan helt, vilket låta dem veta att du tänker svara på den! Detta bidrar till att upprätthålla deras förtroende att historien kommer att gå någonstans intressant och inte bara vara en serie icke-sequiturs.

    Ibland kan en skrattretande story som har kastats ihop i sista minuten räddas genom att ha ett tecken utropade att de inte förstår något och sedan ha en smartare karaktär ta dem åt sidan och informera dem om att alla kommer att förklaras: roll titlar tonas ut ljud , ta upp temat melodi. Många skumma ögonblick i ett stycke hackwork har nonchalant sopas bort av sådana knep. Det rekommenderas inte, men det gör illustrera att även bara erkänna att en fråga har uppkommit är bättre än att inte besvara den. Det är bättre att inte behöva tillgripa något sådant genom att vara medveten om exakt vilka frågor har inrättats, och betala dem ordentligt.

    Författaren måste veta vad deras publik läser in en scen och publiken måste känna att de tittar något meningsfullt snarare än slumpmässigt och avslappnade.

  7. Genre inkompatibiliteter. Lösningen för freshening en genre är ofta att ta in en del av en annan genre. Lägg komedi till skräck, till exempel. Eller ta detektiv thriller in i en sci-fi-scenariot. När det fungerar, det fungerar vackert, men de flesta försöken misslyckas. De antaganden en publik gör om en genre undergräver de att den andra genren tillför bära.

    Vad värre är, de flesta korsningar från en genre till en annan är oavsiktligt, författaren har inte nedsänkt sig i kulturen i en viss genre och så element från andra driver in och ut utan dem är medvetna om den effekt dessa element har.

    Om du ska arbeta med en genre, är det värt att gå till fanklubbar av denna typ av film och ta reda på vad det är de vill om dem. Det är ofta inte det slags saker som de av oss som skulle kunna tänka oss att vara sofistikerade skribenter skulle drömma om att sänka oss att skriva. Vi tror att vi kommer att göra detta dumma genre bättre genom att ignorera schlock eller sensationella element. Men du kommer att skriva en bättre manus om du verkligen gillar dessa saker och vill göra något annat än skriva en annan.

    Ett annat problem är ingen genre idé som faktiskt är en genre bit. De flesta seriösa skribenter försöker skriva "Drama", "Thriller" eller "Dramatiska komedi", ofta tror att de inte skriver "Genre" bitar. Men allt blir skjuts in någon form av genre, även om det bara är en brett definierad "Art House" eller "Indie film".

    Tänk för ett ögonblick vad "Art House" omedelbart trollar upp till dig. Det säger sub-titlar, god fotografi, kön, udda boll tomt, om något. Och tänk vad "Indie Film" säger. Det säger låg budget, massor av ren bravur i konspirera och skjuta stil och ofta en låg genre ges en campy skicka upp njuter de värsta aspekterna. Allt faller på en kategori och du bör vara medveten vilka förväntningar dessa väcka.

    Ofta författaren ett drama, ovetande om att detta skapar genre som förväntningar, kommer att kasta i en åtgärd sekvens för att krydda historien med något mer filmiskt. Resultatet är en film där karaktär och tomt är i fokus för intresset, plötsligt har en jakt sekvens som aldrig stiger till den typ av uppfinningsrikedom publiken förväntar sig en sådan scen.

    Så vet exakt vad du skriver. Skriv det med övertygelse. Eliminera alla element som skickar förvirrande signaler. Och när du gör korsa genregränser, så gör med viss syfte. Få det att fungera. Gör det gör något i stället lämna en läsare undrar om detta är en del av samma film.

    Det finns inga metoder som man kan lära om detta. Varje författare lider av det till viss del, och massor av författare komma undan med det eftersom det bidrar till deras unika stil. Mestadels dock undergräver det trovärdigheten för författaren och leder betraktaren till slutsatsen att författaren inte har kontroll över sitt material. Genre missanpassning är ofta ett symptom på bristande tanke om historien. Kasta allt du har i kylskåpet i en gryta och koka den producerar sällan en god maträtt.